Lançado de surpresa na noite do Super Bowl – numa estratégia até então inédita da Netflix –, The Cloverfield Paradox é o terceiro capítulo da antologia Cloverfield. Enquanto o primeiro era um típico filme de monstros, que se utilizou do found footage como forma de inovar a sua narrativa, o segundo, Rua Cloverfield, 10, foi um thriller claustrofóbico centrado passado quase que inteiramente em um abrigo antibombas. Este terceiro se assemelha ao anterior na sua ambientação, trocando o abrigo por uma estação espacial, mas apresenta um tom diferente dos demais.

Escrito por Oren Uziel (Shimmer Lake), o roteiro acompanha Hamilton (Gugu Mbatha-Raw) – a única personagem que ganha algum tipo de desenvolvimento dramático e uma história prévia –, uma cientista que precisa lidar com o trauma da perda recente dos filhos ao mesmo tempo em que a Terra sofre com o fim iminente das suas fontes de energia – o que inicia conflitos internacionais e a possibilidade de uma guerra. Convencida pelo marido Michael (Roger Davies), ela decide fazer parte da equipe de cientistas e astronautas que, a bordo de uma estação espacial, realizará um experimento com o intuito de gerar energia suficiente para alimentar todo o planeta. O experimento, porém, dá errado, e a equipe passa a presenciar estranhos acontecimentos, ao passo que a população da Terra sofre as consequências dessa falha.

As referências do texto de Uziel são claras e nem um pouco originais. De Alien – O 8º Passageiro ele tirou a cena em que o peito de John Hurt explode com o nascimento do alien. De filmes como 2010 – O Ano Em Que Faremos Contato veio o conceito de tratar os astronautas como um microcosmo da nossa sociedade, refletindo lá em cima os conflitos que acontecem aqui embaixo (ainda que isso não seja muito bem desenvolvido), e de Projeto Filadélfia surgiu a ideia da mulher fundida à fiação da estação. Embora estas alusões não sejam consideradas um equívoco – JJ Abrams, produtor do longa, construiu a sua carreira em cima da nostalgia –, é inegável que o roteirista tropeça em alguns aspectos básicos da narrativa.

Afinal, é bastante conveniente que alguém nos explique o problema do paradoxo poucos segundos antes de o tal paradoxo acontecer, o que se mostra uma estratégia preguiçosa do roteirista para passar uma informação importante. Além disso, existem diversas incongruências grosseiras, como quando é dito que é preciso de três pessoas para desacoplar uma parte da estação espacial, mas quando eles chegam lá, duas pessoas ficam observando a terceira fazer todo o trabalho sozinha (e, aliás, só eu que cansei dessa justificativa de que é necessário ir até uma zona de risco para desativar, ou ativar, algo manualmente?). Isso sem falar que é incrível a capacidade da estação em continuar funcionando após tantas explosões, perdas de energia e com peças faltando.

Mas apesar de reconhecer cada um dos desses problemas, não achei que eles prejudicaram tanto a experiência. As incongruências atrapalham, sim, mas ainda pude me entreter pela forma como o longa abraça o absurdo daquela situação, sem sentir a necessidade de explica-la em detalhes. E, nesse quesito, Oren Uziel se sai muito bem criando situações simplesmente absurdas envolvendo um braço com vida própria e personagens que surgem dentro das paredes, além do fato de que o experimento dos cientistas causou o desaparecimento da Terra (isso mesmo!). É tudo tão bizarro que achei impossível levar aquilo à sério.

Com isso, o diretor Julius Onah (The Girl Is in Trouble) imprime a sua própria marca ao investir em um tom que se equilibra as cenas de maior tensão com toques de humor (além de um pouco de humor involuntário). A mistura pode não agradar a todos, mas eu me diverti. E ainda que aposte em diversos clichês, Onah é hábil ao manter o ritmo da narrativa em meio a tantas viradas na história. É só ao final que percebemos o quanto a subtrama de Michael é descartável, por exemplo. Mas até chegar lá, o filme já nos envolveu na sua atmosfera claustrofóbica e intrigante. The Cloverfield Paradox não é tão bom quanto os anteriores, mas essa ideia de fazer uma antologia com tons diferentes a cada capítulo me agradou bastante e fiquei curioso com o que virá depois. Paradoxalmente, porém, isso também mostra o quanto está é uma obra esquecível.

Animação indicada ao Oscar é a primeira feita com tinta óleo. 

Vincent Van Gogh é conhecido como um dos principais nomes da arte moderna. Tal reconhecimento, porém, veio-lhe postumamente, uma vez que em vida o pintor holandês vendeu apenas um quadro. Sem conseguir pagar suas próprias contas, ele viveu às custas do seu irmão, passando seus dias em hotéis baratos e bordeis, consumido pela depressão que acabou custando sua própria vida. Com Amor, Van Gogh é um filme que homenageia a vida e a obra deste importante artista de maneira condizente com o sujeito aqui retratado: trata-se da primeira animação feita em tinta óleo.

Seguindo a estrutura narrativa imortalizada no cinema por Cidadão Kane, na qual tenta-se fazer um retrato do personagem-título por meio de relatos dos coadjuvantes, o roteiro acompanha o jovem Armand Roulin, que recebe a missão de entregar uma carta perdida de Van Gogh ao seu irmão, Theo, um ano após a morte daquele. Durante a sua viagem, Roulin passa a ter contato com as pessoas que conviveram com o pintor durante os seus meses derradeiros, e passa a ouvir histórias envolvendo aquela figura polêmica. Ao ouvir esses casos, ele se depara com o mistério da morte de Van Gogh e acredita que sua investigação pode revelar o verdadeiro assassino do pintor.

Entretanto, esta não é uma trama de mistério. Assim como no clássico de Orson Welles, a investigação de uma morte serve apenas como pretexto para lançar um olhar na intimidade daquela pessoa – por mais que esses relatos não sejam totalmente confiáveis. O que vemos aqui, então, são fragmentos de uma vida, fragmentos estes que, mesmo quando colocados juntos, não formam o todo. E por mais que o roteiro soe esquemático demais (encontra-se um novo personagem, este inicia sua história, em seguida vemos um flashback), isso não eclipsa a qualidade da produção.

Realizada por mais de 100 artistas plásticos, a concepção visual do cenários do filme é toda inspirada nas pinturas de Van Gogh. São diversas as referências às suas pinturas, desde seu famoso autorretrato à imagem do homem velho com a cabeça em suas mãos (esta última, recriada de maneira idêntica no longa). Além disso, seu estilo de pintura também é reproduzido. As pinceladas pesadas e o relevo da tinta são perceptíveis na tela, ao mesmo tempo em que as imagens em constante movimento adquirem um aspecto “vivo”.

Em contraste com o aspecto artesanal da construção dos quadros que compõem os cenários, os personagens preservaram as feições dos atores (que interpretaram em frente a um fundo verde e depois tiveram suas imagens transpostas para  animação). Desta forma, um olhar mais atento possibilitará ao espectador reconhecer os rostos de Douglas Booth (como Roulin), Chris O’Dowd (no papel do carteiro), Saoirse Ronan (como Marguerite Gachet) e Jerome Flynn (como Dr Gachet).

Ainda que os diretores Dorota Kobiela (The Flying Machine) e Hugh Welchman optem pela simplicidade repetitiva do plano e contraplano, eles também ousaram em outros momentos, criando sequências envolvendo chuva e anoitecer. Com Amor, Van Gogh não é, e nem se propõe a ser, um retrato realista do seu protagonista. Em vez disso, é uma belíssima obra, que honra a vida do artista de maneira bonita, emocionante e tecnicamente impecável.

FICHA TÉCNICA:
Título original: Loving Vincent
Gênero: Animação
País: EUA/Inglaterra/Polônia
Duração: 94 min.
Ano: 2017
Direção: Dorota Kobiela e Hugh Welchman
Roteiro: Dorota Kobiela, Hugh Welchman e Jacek Dehnel.
Elenco: Douglas Booth, Chris O’Dowd, Aidan Turner, Saoirse Ronan, Jerome Flynn, Robert Gulaczyk, Helen McCrory, John Sessions.

Assista ao trailer legendado de Com Amor, Van Gogh:

A Disney, em parceria com a Marvel Studios, divulgou o primeiro trailer legendado do filme Homem-Formiga e a Vespa, continuação da aventura Homem-Formiga (2015). A prévia pode ser vista abaixo.

A trama se passa após o eventos de Capitão América: Guerra Civil, e mostra Scott Lang (Paul Rudd) tendo que lidar com as consequências de suas escolhas, tanto como um super-herói e um pai. Enquanto luta para reequilibrar sua vida pessoal com as suas responsabilidades como o Homem-Formiga, ele é confrontado por Hope van Dyne (Evangeline Lilly) e Dr. Hank Pym (Michael Douglas) com uma nova missão. Scott deve mais uma vez vestir o traje do Homem-Formiga e aprender a lutar ao lado da Vespa, enquanto trabalham em conjunto para descobrir segredos do passado.

Novamente dirigido por Peyton Reed, Homem-Formiga e a Vespa chega aos cinemas brasileiros em julho.