Terror dirigido por John Krasinski é eficaz no uso do som para criar tensão. 

Com exceção dos primórdios do cinema, quando O Fantasma da Ópera e Nosferatu vagavam pelos corredores silenciosos dos seus castelos, desde que foi inserido, o som representa um papel determinante no gênero de terror, sendo usado, em muitos casos, para amplificar a sensação de medo e/ou tensão. Primeira incursão do ator/cineasta John Krasinski (o Jim Halpert da série The Office) neste gênero, Um Lugar Silencioso exemplifica a eficácia do bom uso do som em uma obra de terror, ao mesmo tempo em que envolve o espectador numa história cheia de simbolismos, que fala sobre relações familiares, sacrifícios e superação de traumas.

Escrito pelo próprio diretor em parceria com Bryan Woods e Scott Beck (ambos de Nightlight), o roteiro acompanha uma família que vive em um mundo pós-apocalíptico dominado por estranhas criaturas que caçam guiadas pelo som. Krasinski é hábil ao apresentar o funcionamento daquele mundo por meio das imagens, uma vez que não pode fazer uso do recurso da fala – quase toda a comunicação da família é feita pela linguagem de libras. Assim, nós vemos como aquelas pessoas reorganizaram suas vidas criando ambientes isolados acusticamente, enquanto se preparam para o nascimento do seu novo filho.

Aliás, o não dito tem mais peso nessa história, possibilitando que o espectador complete lacunas deixadas propositalmente pelo realizador. Por exemplo, fica implícito que a alimentação deles se resume a peixes, porque esse é o tipo de animal que escapa do ataque dos monstros, uma vez que estes não conseguem escutá-los – ao passo que o animal que faz barulho no teto da casa da família logo encontra o seu destino trágico. Já a comunicação com os outros sobreviventes, feita pelo fogo, serve apenas para explicitar o isolamento daquelas pessoas.

A narrativa por omissão também é aplicada às próprias criaturas. Por mais que Krasinski não as esconda do público, ele igualmente não as destaca. Os monstros são mostrados em planos detalhes das suas mãos, dos dentes e do gigantesco aparelho auditivo. Existem semelhanças entre este filme e o ótimo terror Ao Cair da Noite, especialmente na forma como explora o conceito do fim do mundo pelo ponto de vista de uma família isolada. Mas enquanto o longa estrelado por Joel Edgerton tinha uma visão pessimista acerca do apocalipse, Um Lugar Silencioso aposta numa abordagem agridoce envolvendo sacrifício e esperança.

Isso porque a obra é eficaz ao explorar as metáforas possibilitadas pelo gênero de terror. O trauma experienciado pela família logo no início da projeção ganha, na figura dos monstros, um lembrete constante da luta, do medo e da coragem necessária para superar a perda. Da mesma forma, o silêncio ganha uma nova camada de interpretação, representando o silêncio de tudo o que não é falado entre eles – e é bastante significativo que um determinado personagem use a linguagem de libras, a linguagem do silêncio, para falar aquilo que ele não conseguia dizer em voz alta.

E por falar nisso, o silêncio – que não deve ser confundido com ausência de som – é explorado de maneira excepcional na narrativa. Criando tensão justamente pela necessidade de manter-se em silêncio, o diretor ainda usa um dos recursos mais batidos do gênero do terror a seu favor: quando necessário, ele utiliza os jump scares não apenas para causar um susto no público – apesar de isto ser um bônus –, mas também para explicitar a falta que o som faz naquele universo. Em tempos de ascensão de plataformas de streaming, Um Lugar Silencioso é, não apenas um ótimo filme, como um daqueles exemplos de obras que precisa ser visto – e ouvido – na sala de cinema.

Embora não seja uma regra, muitas das melhores ficções científicas enxergam no futuro uma forma de poder falar de problemas contemporâneos à época da sua produção. Basta pensar em como Planeta dos Macacos refletia os medos da sociedade em relação à uma possível guerra nuclear, ou como Blade Runner falava do crescimento populacional exacerbado e da ascensão da robótica, ou como 2001 – Uma Odisseia no Espaço abordou a corrida espacial e mostrou o homem pisando na lua um ano antes de isso de fato acontecer. Não que essas obras falassem apenas sobre esses assuntos, ou que esses fossem seus temas centrais, mas tais discussões muitas vezes pessimistas acerca do futuro estavam presentes nesses longas. Tendo feito ET – O Extraterrestre, Contatos Imediatos de Terceiro Grau e Guerra dos Mundos, o cineasta Steven Spielberg não é estranho ao gênero de ficção científica. Ainda assim, seus filmes nem sempre dialogavam com a sua época (ou ao menos não de maneira explícita) e, em geral, apresentavam uma visão mais otimista. Jogador Nº 1 é sua mais nova incursão no gênero, e novamente o diretor escolhe deixar um pouco de lado essa ligação com o presente, desta vez para se focar no passado.

O roteiro se passa no ano de 2045, e acompanha Wade (Tye Sheridan), um jovem que, como a maioria da população do planeta, passa os seus dias logado na OASIS, um jogo de realidade virtual repleto de referências à cultua pop das décadas de 1980 e 1990. Pouco antes de morrer, o criador do jogo, Halliday (Mark Rylance), escondeu um easter egg dentro da OASIS, e o jogador que a encontrar herdará toda a sua fortuna. As facilidades do mundo virtual, somadas à possibilidade de enriquecer aparentemente sem esforço, incentivou a população a jogar o tempo todo. Isso fez o mundo real perder “a graça”. Muitos moram em favelas verticais, as ruas são sujas e a educação parece ter sido deixada de lado. Nada disso importam, pois todos vivem em função do jogo, que também lhes permite ser quem eles desejam ser. Essa ideia de criar um avatar melhorado de si mesmo como forma de viver em um mundo de fantasia encontra reflexo na nossa sociedade contemporânea, na qual as redes sociais vendem a ideia de uma vida perfeita – ou melhor, uma vida tomada por filtros que escondem as imperfeições. Da mesma maneira, as cenas nas quais as pessoas são vistas jogando nas ruas, indiferentes ao que acontece ao seu redor, lembram àquelas pessoas que se colocam em perigo porque não conseguem largar seus telefones celulares nem para atravessar a rua.

Porém, ao limitar as discussões sobre a contemporaneidade a interpretações rasas como estas que acabei de citar, fica claro que este não é o objetivo do roteirista Zak Penn (que escreveu o longa em parceria com Ernest Cline, com base no livro deste). O foco dele é outro. Experiente roteirista de adaptações de histórias em quadrinhos, Penn também já escreveu e dirigiu documentários e mockumentaries focados na cultura pop (um deles, Atari: Game Over, tem uma relação direta com esta obra). E Jogador Nº 1 parece ser o veículo perfeito para ele exercitar essa sua paixão. Afinal, são muitas as alusões a filmes e animações do século XX, do DeLorean que o avatar de Wade dirige no jogo, à moto pilotada pela revolucionária Art3mis (Olivia Cooke), que saiu da animação Akira, passando pela presença do Gigante de Ferro – quem já viu a animação homônima vai reconhece-lo – e por aparições rápidas do King Kong, do Tiranossauro Rex, do Freedy Krueger e até do boneco do Chucky. Aliás, os fãs de terror vão se deliciar com uma determinada cena que homenageia um dos maiores clássicos do gênero.

O problema é que Penn parece não confiar que o público vá reconhecer tais referências, e resolve inserir diversos diálogos expositivos cujo único propósito é mostrar de onde saiu um determinado objeto e/ou personagem. E sendo aquele um universo no qual quase todos compartilham desse tipo de conhecimento, tais diálogos soam como uma cacofonia, por reforçarem aquilo que a imagem já mostrou. Além disso, o roteiro se apoia demais em coincidências e em situações inverossímeis para dar andamento à história, como é o caso da cela da prisão que tem uma maçaneta do lado de dentro, ou do grupo de pessoas que nunca se viu e que mora em locais distintos, mas que se reúne rapidamente num momento de perigo, ou quando alguém percebe – e até comenta em voz alta – que seu furgão foi escaneado, não faz nada para tentar camuflar o veículo e é capturada por causa disso.

No alto dos seus 71 anos, o veterano cineasta Steven Spielberg não demonstra sinais de cansaço, não apenas ao dirigir uma média de um filme por ano nos últimos quatro anos, mas por realizar longas diferentes entre si. E se é possível enxergar resquícios das aventuras juvenis que o diretor fez outrora, existe também um tom indefinido em relação à seriedade da situação aqui apresentada – que fica evidente numa figura como Sorrento (Ben Mendelsohn), ora visto como um executivo frio e ora como um sujeito tolo. Além do mais, a gravidade da trama é suavizada pelo fato de estarmos assistindo a um jogo sendo jogado pelos personagens, fazendo com que os sacrifícios feitos por eles percam o impacto. E por mais que Spielberg seja hábil ao misturar as ações do mundo real com o virtual – como quando uma perseguição de carros atrapalha o andamento do jogo –, nós nunca chegamos a nos preocupar com o que acontece lá fora, ao mesmo tempo em que estamos seguros de que, seja lá o que aconteça lá dentro, isso não terá um grande impacto na vida daquelas pessoas.

Visualmente, porém, o filme é impecável. Os efeitos especiais são bem feitos, sem soarem “realistas demais” – afinal, essa não é a proposta –, o design de produção diferencia bem o mundo real do virtual pelo uso das cores, da mesma forma que a fotografia adota paletas distintas para esses dois universos. E Spielberg conduz as cenas de ação com segurança, explorando ao máximo a artificialidade que a narrativa permite. Embora possa parecer que estamos assistindo a um jogo operado por outra pessoa, Jogador Nº 1 não deixa de ser, sim, uma experiência muito divertida.

FICHA TÉCNICA:

Título original: Ready Player One

Gênero: Ficção Científica

País: EUA

Duração: 140 min.

Ano: 2018

Direção: Steven Spielberg

Roteiro: Zak Penn e Ernest Cline 

Elenco: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Lena Waithe, T.J. Miller, Simon Pegg, Mark Rylance.

Assista ao trailer legendado de Jogador Nº 1:

A Disney divulgou o novo trailer legendado e pôster de Han Solo: Uma História Star Wars (Solo: A Star Wars Story), filme sobre a juventude do personagem imortalizado por Harrison Ford em Star Wars. A prévia pode ser vista abaixo.

Na trama, após uma série de ousadas aventuras, o jovem Han Solo (Alden Ehrenreich, de Ave, César!) encontra seu futuro copiloto, Chewbacca, e o notório Lando Calrissian (Donald Glover, da série Atlanta). O elenco ainda conta com Emilia Clarke (série Game of Thrones), Thandie Newton (série Westworld), Woody Harrelson (Três Anúncios para um Crime), Paul Bettany (Vingadores: Era de Ultron) e Jon Favreau (Homem-Aranha: De Volta ao Lar).

Inicialmente, a direção do filme tinha ficado a cargo da dupla Phil Lord e Christopher Miller (de Anjos da Lei), mas os dois foram afastados durante as filmagens e substituídos por Ron Howard (No Coração do Mar). Han Solo: Uma História Star Wars terá a sua première mundial no Festival de Cannes, e chega aos cinemas brasileiros em 24 de maio.