O terror A Freira é o mais recente derivado da franquia Invocação do Mal (os outros são os filmes da Annabelle e o vindouro O Homem Torto). O idealizador da franquia, James Wan, aparece aqui apenas como produtor, sem exercer muita influência na realização do longa. Wan tem um talento ímpar para o terror, investindo muito mais na tensão do que no susto (embora este sempre surja como uma forma alívio para a tensão). Mas mais do que isso, o diretor trabalha com protagonistas tridimensionais, estabelecendo uma ligação entre eles e o espectador (algo essencial para o gênero). Infelizmente, essas são qualidades que nenhum destes derivados conseguiu atingir. E A Freira não é diferente.

Escrito por Gary Dauberman (Annabelle 2: A Criação do Mal), o roteiro busca explorar a origem da figura demoníaca vista pela primeira vez em Invocação do Mal 2 – há, inclusive, algumas menções a Ed e Lorraine Warren. A trama se passa em 1952 e acompanha Burke (Demián Bichir, de Os 8 Odiados), um padre que trabalha investigando casos sobrenaturais à mando do Vaticano, e Irene (Taissa Farmiga, de Terror nos Bastidores), uma jovem noviça que costuma ter visões sobrenaturais. Os dois são enviados para uma abadia localizada numa região remota da Romênia para investigar o suicídio de uma freira. Chegando lá, eles contam com a ajuda de um guia, Frenchie (Jonas Bloquet, de Elle), que lhes fala sobre o medo dos moradores em relação àquele lugar e sobre como parece que a abadia serve para aprisionar algum tipo de mal lá dentro.

Dauberman é um roteirista bastante limitado. Quando trabalha com outras pessoas é capaz de criar personagens tridimensionais e metáforas eficientes (como aconteceu em It: A Coisa). Mas quando escreve sozinho apela para situações inverossímeis e escolhas duvidosas. Isso fica claro quando descobrimos que a trama aqui envolve um portal para o inferno e o sangue de Cristo (literalmente). O roteirista também sacrifica a estrutura do texto em busca de entendimento rápido e raso: é o que acontece, por exemplo, quando vemos o flashback de um exorcismo realizado pelo padre, que culminou na morte de um garoto, somente para que este mesmo garoto apareça assombrando-o na cena seguinte. Já o fato de Irene ter visões sobrenaturais pouco importa para a história, a não ser quando tais visões servem para esmiuçar alguma informação importante – numa decisão narrativa um tanto preguiçosa.

Aliás, Irene é a única personagem a ganhar algum tipo de desenvolvimento. Enquanto o padre Burke é mostrado como uma espécie de Indiana Jones a serviço da igreja, e Frenchie tenta a todo custo ser um alívio cômico, a jovem noviça ao menos esboça um conflito interior a respeito da obediência cega aos ditames da Igreja. Não que isso seja mais bem explorado pelo filme, mas ao menos possibilita que se crie algumas tomadas visualmente interessantes: em determinado momento vemos um círculo de freiras rezando, todas vestidas de preto, e a noviça está localizada no centro, com suas vestes brancas simbolizando, entre outras coisas, as visões distintas daquelas mulheres em relação à fé. Porém, a inexpressividade de Taissa Farmiga a impede de expressar todos os conflitos da sua personagem, cabendo ao roteiro explicitá-los por meio de diálogos expositivos.

Baseando-se em um texto tão limitado, o diretor Corin Hardy (A Maldição da Floresta) faz o possível para dar ao seu filme uma identidade própria. A ambientação de época é um ponto que funciona a seu favor, com a arquitetura gótica do cenário remetendo às produções do estúdio Hammer, uma grande influência para ele. Hardy também acerta ao tornar a Freira uma presença que habita a escuridão daquele lugar; ela é mais sentida do que vista. O problema é que ele não sabe trabalhar os protagonistas, que são separados em cômodos diferentes sem qualquer motivo aparente e passam a maior parte do tempo andando em círculos, procurando por assombrações em cantos escuros apenas para descobrirem que estas não estão mais lá.

A repetição das mesmas estratégias para gerar tensão acaba gerando o efeito contrário. A ideia de mostrar a ameaça se aproximando das costas do personagem sem que este a perceba é repetida à exaustão, até o ponto em que o público consiga antecipa-las. Falta a Corin Hardy a originalidade para conceber situações inovadoras ou a criatividade para manipular os clichês a seu favor. Estas são algumas das qualidades que fazem os trabalhos de James Wan se descarem dentro do gênero. A ausência destes atributos iguala A Freira aos demais spin-offs deste universo. Ou seja, é um terror mediano, que se encontra a anos-luz do material que o originou.

O drama nacional Benzinho conta a história de Irene (Karine Teles), uma mãe de família que cuida dos quatro filhos e faz alguns bicos para complementar a renda, enquanto o marido, Klaus (Otávio Müller) conta as moedas no seu negócio falido. Vivendo numa casa com diversos problemas estruturais, Irene controla esses problemas à medida que eles aparecem, apertando a torneira que está vazando ou saindo pela janela quando a fechadura da porta não abre mais. Desta forma, ela consegue criar uma rotina mais ou menos funcional em meio a tantas adversidades – que ainda envolvem o acolhimento da irmã, Sônia (Adriana Esteves), após esta ter sido agredida pelo marido.

Porém, a rotina de Irene muda quando seu filho mais velho, Fernando (Konstantinos Sarris), recebe uma proposta para ir estudar na Alemanha. A notícia causa uma variação na organização da família e assuntos que antes haviam sido deixados de lado – como a venda da casa de praia – precisam voltar à tona, por mais que Irene se esforce para ignorá-los. Assustada com a quebra dos seus hábitos diários, ela se retrai, internalizando um turbilhão de sentimentos, tentando – nem sempre com sucesso – manter uma aparência calma diante dessas mudanças.

E nisso, é necessário destacar a excelente atuação de Karine Teles, que explicita todos esses sentimentos sem dizer nenhuma palavra, apenas com o olhar. Sabendo do talento da sua protagonista, com quem já foi casado por mais de uma década, o cineasta Gustavo Pizzi (Riscado) aproxima a sua câmera do rosto da atriz, com o intuito de captar e compartilhar com o público toda a expressividade dela. É notável, por exemplo, que no momento em que fica sabendo que o filho vai sair de casa, Irene expressa orgulho e tristeza ao mesmo tempo. Da mesma maneira, existe um alívio em seu olhar quando um atraso burocrático pode atrapalhar os planos do jovem.

São pequenos detalhes, que só se tornam perceptíveis por conta da abordagem do diretor, cuja câmera parece penetrar na intimidade daquelas pessoas. Pizzi opta por filmar cenas que narrativamente não têm importância para a história (como aquela das crianças tomando banho ou delas brincando no quintal), mas que servem para estabelecer uma conexão maior com o espectador.

O realizador também faz uso constante de metáforas. A quebra da torneira, que acontece logo após o recebimento da notícia de Fernando, simboliza um problema que não pode mais ser contornado. A própria degradação da casa pode ser vista como a “destruição” daquela estrutura familiar, ao passo que a construção da casa nova é um recomeço. E as cenas em que Fernando é mostrado entrando embaixo de uma cabana feita com o lençol vermelho ou deitado em posição fetal sob a barriga da mãe representam o desejo desta de mantê-lo sempre por perto, e a tristeza perante a constatação de que isso não é possível.

Ao buscar estes significados por meio das imagens, o diretor exclui a necessidade de verbalizar a relação daqueles personagens. O silêncio, neste caso, é muito mais importante do que as palavras. Assim, Benzinho retrata de maneira honesta e emocionante as complicadas relações familiares, relações estas que misturam sorrisos e lágrimas, alegrias e tristezas, gritos e silêncios. Mas, mais do que isso, relações que são complexas demais para serem definidas por dicotomias.

Fazia tempo que eu não fazia nenhuma lista aqui no blog, e achei que chegou a hora de retomar a minha tão amada 7 List com um dos meus temas preferidos: filmes de terror que quase ninguém conhece. Para isso, fiz um levantamento de longas que me agradaram muito e que foram lançados nos últimos oito anos (ou seja, à partir de 2010).

Na verdade, como se pode notar, a maioria dos filmes dessa lista foi lançada nos últimos três anos. Peguei apenas dois títulos um pouco mais antigos (de seis anos atrás). Alguns desses filmes já tiveram resenhas divulgadas no nosso Instagram, então siga a gente por lá para não perder nenhuma novidade.

Essa é a segunda vez que faço uma lista de filmes desconhecidos. A primeira lista pode ser acessada aqui. Caso você tenha sentido falta de algum título, deixe a sua dica no campo de comentários abaixo. Vale destacar que a organização dos filmes é feito por ordem cronológica, e não por ordem de preferência. Mas chega de papo, vamos para a lista.

7 List | Sete filmes recentes de terror que você (provavelmente) não conhece

7 – Resolution

Existem filmes que crescem muito na revisão. Resolution (2012) é um desses casos. Num primeiro olhar, a narrativa comandada pelos cineastas Justin Benson e Aaron Moorhead envolve o espectador pela maneira como eles manipulam a expectativa e mantém um clima de crescente tensão. Porém, uma vez que já se sabe da “Resolução” que o título sugere, a nossa visão sobre o filme muda, e fica muito mais perceptível a maneira como os diretores se utilizam da metalinguagem para direcionar o nosso olhar e criar essa manipulação. Na trama, um homem aprisiona seu amigo viciado em uma cabana isolada para forçá-lo a passar uma semana de sobriedade, mas os acontecimentos daquela semana parecem ser misteriosamente manipulados. Personagens que parecem soltos na narrativa servem para dialogar com a expectativa que o público cria a respeito de um filme de terror. Mais do que uma discussão metalinguística sobre o voyerismo do cinema, Resolution conversa diretamente com o fã de terror.

6 – Fábula Americana

Misto de drama familiar e suspense com uns toques sobrenaturais, Fábula Americana (American Fable, 2016) se passa na década de 1980 e acompanha uma garota interiorana de 11 anos encontra um homem escondido no silo da fazenda da sua família. Ao fazer amizade com esse homem, ela precisa escolher entre salvar a vida dele ou proteger a sua família. Trata-se de um filme belíssimo, fotografado de maneira eficaz Wyatt Garfield – que utiliza o recurso de “noite americana” para criar um clima fantasioso – e dirigido com segurança por Anne Hamilton. A cineasta constrói a sua narrativa instigando o espectador, sem esmiuçar as respostas e abusando de metáforas que dão um sentido muito mais profundo àquela história aparentemente simples. O ritmo pode soar um pouco lento em alguns momentos, mas isso é compensado pela atuação cativante da jovem Peyton Kennedy.

5 – Hell House LLC

Dirigido por Stephen Cognetti, Hell House LLC (2015) conta a história de um grupo de jovens que adquire um antigo hotel para transformá-lo em uma atração de Halloween. Isso é uma tradição muito comum nos Estados Unidos (inclusive, já foi tema de outro filme de terror: The Houses October Built). A ideia é criar atrações voltadas para um público que quer levar sustos e se divertir . Só que nesse caso aqui, as coisas não saem como planejado. O filme já começa mostrando que uma tragédia aconteceu com esses jovens na noite de abertura da atração. E a partir de entrevistas com os envolvidos, ficamos sabendo o que, de fato, ocorreu naquela noite. Rodado no formato de found footage, o longa consegue utilizar bem esse formato em favor da narrativa. Além do mais, é realmente assustador! Hell House LLC vai ter uma continuação, que está agendada para sair ainda em 2018.

4 – Predadores do Amor

É sempre gratificante quando vemos um filme de terror que apresenta uma abordagem nova para um tema já conhecido. É o caso deste Predadores de Amor (Hounds of Love, 2016), que se apresenta como uma obra sobre captura e tortura de inocentes, mas que na verdade fala sobre relacionamentos abusivos e libertação feminina. Na trama, uma adolescente que passa por problemas em casa devido ao divórcio dos pais é sequestrada por um casal que pretende usá-la como escrava sexual para suas fantasias. Ao contrário da maioria das obras similares a esta, aqui o diretor/roteirista Ben Young perde menos tempo explorando a violência daquela situação, e mais tempo desenvolvendo as suas personagens, especialmente a vilã. Sem tentar justificar os atos da captora, ela a humaniza, mostrando-a também como uma vítima, aprisionada a um relacionamento abusivo no qual se submete a tudo (tudo mesmo) para tentar agradar o marido. Trata-se de uma abordagem corajosa para um tema delicado. E este é justamente o diferencial deste filme australiano.

3 – Beyond the Gates

Escrito e dirigido por Jackson Stewart, Beyond the Gates (2016) conta a história de dois irmãs que se reúnem na videolocadora do pai deles, que está desaparecido e possivelmente morto. Lá, eles encontram um jogo de tabuleiro chamado Beyond the Gates que tem alguma relação com o desaparecimento do pai deles. Construído de maneira segura, o filme envolve lentamente os seus personagens numa numa espiral de loucura. Stewart é hábil ao desenvolver o terror pouco a pouco, sem apelar para sustos desnecessários. E apesar de a trama se passar nos dias de hoje, a narrativa emula muito do estilo dos anos 1980, seja na direção de fotografia, que utiliza muito neon, ou na trilha sonora, com seus sintetizadores. Essas escolhas não são gratuitas, elas têm relação direta com o tema do filme, pois representem a época áurea da tecnologia do VHS. Aliás, talvez seja por isso que gostei tanto desse filme. Porque me lembrou aquela época em que eu passava horas na locadora escolhendo filmes e de vez em quando encontrava algum que me surpreendia, como este aqui.

2 – Shelley

Escrito e dirigido por Ali Abbasi, Shelley (2016) é um terror dinamarquês que conta a história de Elena, uma empregada romena que trabalha na casa do casal Louise e Kasper. Elena recebe a proposta de carregar o filho do casal, visto que Louise não pode engravidar. Elena assume a responsabilidade, porém, após um tempo de gravidez, ela começa a notar que algo está errado. Existem muitas similaridades com o clássico O Bebê de Rosemary, seja na temática da gravidez ou mesmo no desenvolvendo lento da narrativa. Durante muito tempo parece que nada de errado está acontecendo. Mas uma vez que começam a aparecer os indícios de algo possivelmente sobrenatural, a tensão e estranhezas crescem gradativamente. Abbasi cria algumas sequências angustiantes, como aquelas envolvendo tentativas de aborto, e mantém a tensão até o fim.

1 – Pyewacket

Pyewacket (2017) é um filme que fala sobre rituais de magia negra que dão errado… muito errado. O filme conta a história de uma jovem revoltada que briga constantemente com a mãe, especialmente após ser forçada a se mudar para uma nova casa. Assim, num momento de raiva, a menina, que sempre estudou e se interessou por ocultismo, acaba fazendo um ritual para tentar matar a mãe. O diretor Adam MacDonald (do ótimo Sobrevivente) conduz a narrativa com calma, mostrando aos poucos as consequências desse ritual, e investindo mais na tensão do que no susto. E ele é bem sucedido nisso. Algumas das sequências que se passam durante a noite são extremamente tensas e bem construídas. Porém, o cineasta nunca perde o foco principal da sua narrativa, que é a relação de mãe e filha, pois é aí que reside a principal qualidade de Pyewacket.